Após a confirmação do final de Bleach após 366 episódios, outro anime baseado em um manga da Shounen JUMP também irá terminar em Março de 2012.

E ao contrário do hit escrito e desenhado por Tite Kubo, Beelzebub, baseado no manga de Ryuuhei Tamura, acabou não passando de uma promessa e atualmente consolida-se como um dos chamados sucessos de meio de ToC [aquele famoso ranking de popularidade semanal presente no maior almanaque de mangas japonês]; mesmo assim ganhou adaptação algo precoce [estreou com o manga tendo pouco menos de dois anos de publicação] que está prestes a encerrar o ciclo de 5-cour na TV japonesa.

Esta até que atrai boa audiência, chegando a ganhar da concorrente TV Asahi e seus Battle Spirits [que passam atualmente, justo no horário [Domingo, 7h] de Beelzebub, entre Digimon e Super Sentai], mas no fundo acaba sendo algo comercialmente morno [para o padrão esperado da Shounen JUMP, claro] como o manga.

Apostando-se de que eventuais novos espectadores são algo reduzidos em uma história que chega ao sexagésimo episódio, chega a hora em que vale mais a pena arriscar algo novo com potencial de sucesso que manter algo que somente garante um resultado mínimo: assim Beelzebub irá terminar – e ao contrário de Bleach, aqui é para sempre – no episódio de número 60, a ser transmitido em 25 de Março de 2012 nas emissoras japonesas ytv e NTV.

E claro, já temos anunciado há algum tempo seu sucessor no horário: em Primeiro de Abril estreia o aguardado Uchuu Kyoudai [Irmãos do Espaço], que conta a história de dois irmãos e um velho sonho do passado que volta a tona no distante 2025. Escolha algo arriscada neste seinen vindo direto da conceituada revista Morning, mas muito bem-vinda. Que dure [como Beelzebub e seu antecessor Yumeiro Patisserie] um ano ou até mais; com dezesseis volumes publicados, história é o que não falta aqui.

Para quem não sabe, dia 27 de Março, Terça-Feira, 18h, será transmitido no Japão o episódio de número 366 de Bleach – e sete anos e meio após a estreia da adaptação da obra de Tite Kubo, este será o último episódio da bem-sucedida franquia.

E como podemos ver aqui, logo na semana seguinte estreia a adaptação do manga spinoff de Naruto chamado Naruto SD: Rock Lee no Seishun Full-Power Ninden, que como o próprio nome já deixa muito claro centra-se em aventuras leves e cômicas focadas no carismático personagem Rock Lee – o que apenas confirma que Bleach simplesmente esgotou aqui sua capacidade de fazer dinheiro o suficiente para bancar uma animação constante para televisão aberta e nacional.

Isto é algum demérito? De forma alguma. Mesmo na muito poderosa Shounen JUMP somente a dupla que consiste em One Piece e Naruto continuam no ar tendo até aqui mais episódios dos que Bleach se contentará em ter [vale lembrar que somados recentemente quebraram a assombrosa marca de mil episódios]; ainda temos Gintama [indo para seu sexto ano] e Toriko [indo para seu segundo] como verdadeiros candidatos a quebrar a marca de Bleach, sendo que no estado em que estão já podem ser considerados sucessos assustadores.

Voltando a falar de Bleach sob o viés da produção do anime, simplesmente tivemos que a TV Tokyo, Dentsu e Studio Pierrot chegaram a conclusão que o atual modelo de negócios não valia a pena de ser mantido, ponto. Uma animação com audiência e faturamento direto [venda de DVDs e singles dos CDs das músicas-tema] abaixo do necessário para dar algum lucro e que, existindo ou não, estava tendo impacto somente marginal na franquia como um todo [que vai do original/manga aos produtos licenciados].

E querendo ou não, o mais caro aqui não é a produção do anime em si, mas sua exibição em horário nobre; afinal, a emissora tem que ponderar muito bem o resultado obtido e o potencial que existe dentro daquele timeslot e calcular se o investimento está realmente valendo a pena. Como vimos acima no caso de Bleach, agora não mais.

O que não quer dizer que outros modelos sejam inviáveis. E se pegarmos os resultados de vendas de DVD, veremos que Bleach, que no começo chegou a vender mais de 10 mil cópias por disco lançado, mesmo atualmente consegue manter uma média entre duas e três mil cópias vendidas. E isto para algo considerado infinito e com certa falta de foco – afinal, precisava-se agradar muita gente.

Agora livre destas amarras, evidente que a produção pode agora fazer uma obra mais focada no fandom mais fiel [e hardcore] da obra, através de dois caminhos: tanto os OVAs adotados massivamente por HUNTERxHUNTER [derivados da série de 1999, antes que a adaptação de 2011 fosse sequer planejada], Saint Seiya e The Prince of Tennis, perfeitamente factíveis para uma obra que se minimamente caprichada venderia cinco mil, quem saber de novo dez mil cópias sem dificuldade.

A outra, também com exemplos a serem dados [InuYasha; e não desconsiderem a possibilidade de HUNTERxHUNTER 2011 ter sido planejado sabendo-se do final iminente do manga], é uma arco final a ser adaptado para televisão: seis meses ou no máximo um ano são mais do que suficientes para adaptar o tão comentado arco final de Bleach, mesmo que este dure mais alguns anos. Se mesmo mangas com maior densidade narrativa costumam-se encaixar-se com maestria no ritmo de dois capítulos por episódio, o que dirá de Bleach, conhecido por um volume ser lido literalmente em meia hora?

Assim, não fique surpreso quando sim, daqui a algum tempo surgir a notícia de que mesmo as animações de Bleach não chegaram ao fim. Não o definitivo. E um adendo: o manga, ao contrário do dito por muitos, não acaba devido a um eventual fracasso ou saturação.

Bleach é atualmente o quarto manga mais vendido da Shounen JUMP, atrás do trio composto por HunterXHunter, Naruto e One Piece e com distância até aqui confortável frente a Bakuman., Gintama e Toriko; claro que Toriko está em pleno processo de engorda e os responsáveis pela revista sabem muito bem disso, mas isto é pensando a longo prazo, afinal a parte séria de Toriko [aonde sua popularidade realmente deve explodir] ainda está longe de começar.

E em uma editora como a Shueisha que trata como reis os sucessos apenas medianos de Shaman King ou To Love Ru realmente deixaria um dos mangas mais famosos e influentes da década ir assim? Se Kubo quiser, pode viver contando a cada mês um pouco mais sobre o extenso universo de Bleach. Não é nenhum pecado e muitos sem a energia criativa de um Inoue ou Togashi não deixam de ser respeitados por isso.

Muito divertido este filme de Naruto Shippuu- ué, certeza que é de FullMetal Alchemist?

Este assunto rende facilmente um outro artigo, mas o fato é que cada vez mais estão frequentes as adaptações cinematográficas de franquias bem-sucedidas na telinha da TV; e um dos responsáveis por este frenesi em obras mais voltadas para o público mais hardcore sem dúvida foi o retumbante sucesso de FullMetal Alchemist: The Conqueror of Shamballa no longínquo 2005.

E se naquele procurava-se dar um final definitivo a série de TV que foi sensação entre 2003~4, quase uma década depois, após o final da também bem-sucedida releitura da série pelos mesmos produtores da primeira versão com diferente staff transmitida em 2009~10, decidiu-se simplesmente seguir a rota fácil e óbvia de um filme adaptado de um consagrada série de battle shounen no qual os personagens vivem uma aventura paralela que apenas tangencia o original.

Hagane no Renkinjutsushi: Mirosu no Sei-naru Hoshi, ou FullMetal Alchemist: A Estrela Sagrada de Milos, lançado nos cinemas japoneses em Julho/2011 e posteriormente lançado em DVD+BD em Fevereiro/2012, é simplesmente isso: uma aventura paralela aonde os carismáticos protagonistas viajam para um lugar especial no qual irão, ao longo dos cento e dez minutos de duração do longa, viver um misto de ação e drama feito tanto para o fã inveterado da série quanto para o mais casual que somente quer comer um balde de pipoca com Coca-Cola enquanto acompanha aqueles rostos familiares explodindo tudo.

Claro que o que temos aqui ainda é FullMetal Alchemist, e um dos baixos do roteiro é simplesmente inserir de forma não-natural alguns elementos marcantes para a franquia somente para tornar esta obra supostamente digna do nome; claro que pode até enganar certa fatia dos fãs, mas outros devem ficar é mais chateados em como estes são simplesmente jogados em FMA: Milos.

Mas como também dito no Gyabbo!, a própria estrutura do filme foca-se nos novos personagens – principalmente na garota [sim, ela tem somente dezesseis anos!] Julia Crichton; e em um filme feito para contar basicamente a história destes e de sua terra, os irmãos Edward e Alphonse Elric ficam praticamente em um limbo entre o protagonismo e o papel de coadjuvante.

Claro que eles ajudam – e muito – o enredo a se mover, e mais do que isso, são obviamente a ponte entre o espectador e aquele novo pedaço do mundo [inspirado na Índia, para a qual o diretor Kazuya Murata chegou a viajar para aprofundar-se na pesquisa focada no filme] de FullMetal Alchemist que é abordado aqui, mas no geral temos somente um grande fanservice [no sentido amplo, de elemento feito sob medida para agradar os fãs, e não no mais específico e consagrado entre muitos de peitos e similares].

Mesmo assim, estes são os personagens mais interessantes do filme; o drama de Julia Crichton e o personagem inicialmente conhecido como Melvin Voyager, fugitivo de uma prisão em Amestris que no fundo é o grande fio condutor de toda a história [e principal alvo dos diversos plot twists presentes nela] apenas convence, sendo que esta dupla de personagens é mediana por demais para causar qualquer impressão mais profunda no espectador.

Claro que o filme tende a ser plot-driven [focado no enredo] e baseado demais na estrutura típica das obras citadas no começo do artigo, mas isto não justifica a falta de refinamento [cuidado até há, mas isto não é o suficiente] presente aqui. Absolutamente tudo é prevísivel, nenhum momento chega a ser marcante e certos trechos [como a longa pausa para explicação algo didática do enredo exatamente na metade da fita] chegam a ser, sim, chatos.

Drama a parte [no qual cada palavra a mais é um risco de soltar SPOILER - a obra independe de eventuais segredos para ser apreciada ao máximo, mas não há necessidade de ampla discussão disto aqui, portanto o melhor é deixar para você, espectador, eventualmente assistir a obra], o tíquete aqui vale a pena principalmente pela ação presente aqui, de forma muito mais integrada e intensa que na série de TV.

Apesar de FullMetal Alchemist ser obviamente um battle shounen o ritmo imposto pelo roteiro original de Hiromu Arakawa acabou sendo diferenciado por levar este aspecto de uma forma apenas complementar – claro que as lutas existiam e eram importantes, mas ali o enredo sempre estava em primeiro lugar, sendo que essas podiam ser sacrificadas livremente em prol de maior foco neste.

Já neste original de Yuuichi Shinbou a todo momento está acontecendo algo, desde cenas de correria até grandes batalhas entre alquimistas que culminam em um final de clima épico que soa totalmente forçado [ao contrário do que ocorre na série de TV de 2009] pelo simples fato de que: como diabos aqueles personagens tão poderosos são simplesmente ignorados no principal?

De novo, é uma obra que é melhor apreciada se não tentarmos associá-la com o nome FullMetal Alchemist; e assim, temos o ambiente criativo criado pelo roteiro, com Table City no alto do platô aonde, muito abaixo de um imenso desfiladeiro, vivem os pobres – e favelizados – habitantes do que um dia foi a antiga e próspero reino de Milos, muito bem-explorado na dinâmica da ação.

Até existem algumas lutas, mas o principal mesmo é muita correria, invasão e perseguição ao longo deste imenso palco; e tudo isso é coreografado de forma extremamente variada, sendo mérito tanto do roteiro que criou estas possibilidades mas principalmente da direção que sim, aqui está afiada.

E claro que também temos que falar aqui da escolha mais polêmica adotada por este filme: o foco grande na animação, com bastante liberdade para os animadores fazerem literalmente o que quiserem [claro, dentro do script] e buscando acima de tudo ser, mesmo que com orçamento não muito alto, ser aquela animação de qualidade fluida e detalhada conhecida no Japão como sakuga.

Este processo, que começa no character design aqui ser até simplificado face a versão televisiva, mostra a que veio principalmente durante as muitas cenas de ação do filme. Aqui, o que importa é ser fluido e passar movimento, mesmo que largamente as custas de qualquer estabilidade no design de qualquer personagem. Muitos podem nem perceber, alguns vão torcer o nariz, outros vão ficar empolgados: sim, é ame-ou-odeie.

Gostando ou não, temos que pensar que temos aqui algo muito, muito acima da média. Claro que não tem o orçamento e a experiência que permitem a polidez presente principalmente nas obras do Studio Ghibli, mas claramente percebe-se que reuniu-se o melhor do estúdio de animação BONES para entregar talvez a melhor obra de 2011 neste quesito.

Enfim, bom filme de One Piece, que diverte a muitos – e deve ser assistido da melhor maneira possível para aproveitar a competente parte técnica [e sim, a trilha de Taro Iwashiro continua igualmente afiada] ao mesmo tempo que tem um gostinho especial para os fãs da franquia ao lhes dar mais duas horas dentro daquele universo tão especial. Medianamente esquecível? Com certeza. Fraco? Nunca!

Claro que já foi citada neste artigo, mas vale ressaltar que a leitura do artigo do blog parceiro Gyabbo! sobre este filme é recomendada como uma segunda opinião a respeito. Boa leitura!

Um gráfico bem bolado pelo 2ch [dica: abra a imagem por completo] há algum tempo que traça um perfil bacana de como devemos encarar a altura e peso dos sempre ideais personagens de anime.

No geral, como óbvio, os corpos destes são absolutamente perfeitos. É simplesmente impressionante Kirino, que possui apenas quarenta e cinco quilos muito bem distribuídos ao longo de seu um metro e sessenta e cinco centímetros de altura – e isso que esta ainda está no equivalente ao Ensino Fundamental II no Japão.

Aliás, temos aqui que no geral todo mundo em Ore no Imouto é alto para os padrões japoneses, de Saori Bajeena e seus 1,80 m ao irmão da protagonista, Kyousuke Kousaka e seus 1,75m. Mesmo Kuroneko, com 1,61 m de altura, é apenas normal no fator principal que a figura demonstra – o quão é baixo a altura dos japoneses, mesmo nas animações em que teoricamente podem sonhar a vontade.

E os grandes exemplos disto são os personagens Index [que dá o título a To Aru Majutsu no Index] e Tomoki Sakurai [protagonista de Sora no Otoshimono]; claro que mesmo nestas obras eles são considerados um pouco baixos [e temos que lembrar também que estão ainda em fase de desenvolvimento] mas o fato de terem respectivamente 1,48 e 1,50 metros de altura pode assustar alguns brasileiros que assistem anime. E o que dizer de Ika Musume, considerada como waifu por alguns, e seus 1,35 m?

Uma última coisa a notar é como neste tipo de anime acaba não tendo muita margem para amplos exageros em questão das três medidas [busto, cintura, quadril] das personagens. Claro que os 86 cm de busto da Ikaros é mais do que o razoável, mas os peitos de balão mostrados na série acabam forçando uma sensação que não se reflete plenamente na realidade.

Dez ótimas aberturas de anime cantadas por dez excelentes cantoras, sendo estas dubladoras ou não.

Apesar das aberturas de anime mais famosas serem ou cantadas por cantores como Hironobu Kageyama, Akira Kishida e outros [como os temas de Dragon Ball Z e Saint Seiya] ou por bandas de JRock/JPop como as conhecidas L’Arc~en~Ciel ou Asian Kung-Fu Generation [temas de obras como Naruto ou FullMetal Alchemist], a verdade é que as mulheres cantam literalmente desde sempre nas aberturas de animes [como por exemplo na abertura do primeiro mahou shoujo da história].

Algumas aberturas mostradas no artigo sobre os anos 80 são cantadas por mulheres, que no caso eram simplesmente cantoras, com alguma ligação [ou não] com as animações em si. Mas de uma década e meia para cá, as dubladoras passaram a cantar, sendo exemplo clássico Megumi Hayashibara cantando as aberturas de Slayers [veja a primeira AQUI].

Assim cabe dividir as cantoras em dois times, as cantoras “tradicionais” e as que acumulam a função de dubladora. E que critério seria melhor que o utilizado no prestigiado Kouhaku Uta Gassen, que divide os times de acordo com a bandeira japonesa?

Vamos aqui reservar o vermelho, que contém o disco solar, para representar a forma mais antiga e clássica de temas de animes, os cantados pelas profissionais que focam na música e deixar o branco iluminado por este para representar a ascensão das dubladoras a protagonistas desta cena. Assim, vamos a lista:

TIME VERMELHO

mell – RideBack [RideBack OP]

Quando não se quer revelar spoilers de um anime, o melhor jeito de chamar a atenção é fazer uma abertura como esta. Bem cinemática, oferece de forma mais eficiente que em qualquer outro momento da série qual é a experiência de guiar um RideBack. A música de mell é uma bela cereja no bolo, e mostra que essa é uma das poucos intérpretes de anisongs que cantam eficientemente em inglês – o que conta pontos em um meio onde isso é muito deixado de lado.

Seira – Never [Kaiba OP]

Seira é outra cantora que arranha um bom inglês – além de ter uma bela [claro, não é excepcional] voz. O fato é que “Never” é uma bela música com um tom entre o poético e o depressivo que cai como uma luva em um anime como Kaiba. Este, que usa personagens de design “cartunesco” ou “infantil” propositadamente para contar uma fábula sobre o ser humano. E que órgão mais humano que as mãos, tão presentes na sequência de abertura?

eufonius – Reflectia [True Tears OP]

eufonius é uma banda pela qual vale até ver abertura de anime como Yosuga no Sora para ouvir a bela voz da vocalista riya. Imagine então quando está em um dos melhores dramas românticos dos últimos anos, cuja abertura é certeira em passar o clima da série, depressivo como o outono e suas folhas que caem. Pode não cair as lágrimas verdadeiras do título, mas é uma bela sequência para aclimatar o espectador ao drama destes quatro jovens.

Risa Yuuki – Pure Stone [Akai Koudan Zillion OP]

A abertura de Patlabor pode ser melhor, mas a de Zillion também é muito boa. Com um feeling mais clássico, dá espaço para a música “Pure Stone” e sua intérprete Risa Yuuki destacarem-se. A interpretação é exagerada? Talvez. Mas é um clássico que a versão brasileira não consegue imitar com precisão. Pelo menos temos a ambientação rochosa do planeta Mariz em destaque aqui – focada na abertura possivelmente para economizar uns trocos a mais para a caprichada animação da série.

Round Table featuring Nino – Puzzle [NHK ni Youkoso! OP]

Bela – e esquisita – abertura, também adepta de revelar pouco sobre a série [portanto, haja truque visual!], que ganhou uma música cujo casamento com é difícil de reverter. GONZO no seu auge na arte de fazer abertura, que pelo uso de cores e texturas muitas vezes saturadas, merece que um dia possamos revê-las em alta definição. E a voz muito suave da Nino não é um presente do universo?

TIME BRANCO

Yuu Kobayashi – Hanaji [Maria+Holic OP]

Essa abertura elétrica de Maria+Holic é um simplesmente um dos melhores momentos do estúdio SHAFT. Simplesmente surreal, maluca e muito divertida, usa a seu favor todos os elementos que fizeram a fama do estúdio – dos poucos elementos utilizados em cena até o grande uso de letras para complementar a imagem – barato, eficiente e algo hipster, tão fundamental para alguns em nosso tempo.

E a música Hanaji [Sangramento de Nariz], feita especialmente para a série e cantada pela principal dubladora do elenco, a “voz-de-garoto” Yuu Kobayashi, é viciante e combina perfeitamente com o clima de brincadeira e destruição presente no vídeo.

Kana Hanazawa – Renai Circulation [Bakemonogatari OP 4]

A maior revelação dos últimos tempos no quesito seiyuu teve seu primeiro personagem de real destaque na loli Nadeko Sengoku em Bakemonogatari – e aproveitando a tendência deste anime em fazer uma abertura para cada protagonista, tivemos a personagem preferida dos japoneses – ah, esses fetichistas! – cantando esse grude para os ouvidos que enlouqueceu os otaku do outro lado do mundo.

Mas apesar de todo o apelo… loli na história, tivemos aqui um exemplo eficiente da proposta do SHAFT de diversas aberturas para este anime de baixo orçamento [claro, houveram reflexos no número baixíssimo de frames da série] – simples, bacana e eficiente; principalmente graças a proposta que não se vê todo dia.

Maaya Sakamoto – Kiseki no Umi [Record of Lodoss War TV OP]

Maaya Sakamoto é com certeza mais cantora que dubladora – e só está nos dois ramos por conta da tolerância que o Japão tem com múltiplos talentos, algo que é até incentivado no país das idol – e isso se destaca na ótima Kiseki no Umi, friamente a melhor música presente neste artigo.

E quando a música está presente em uma das melhores aberturas da história da animação japones – tão boa que é uma daquelas melhores e mais conhecidas que a série em si – que consegue dar todo um clima épico a obra graças a edição e direção excelentes, fora a animação de qualidade, torna-se obrigatório que este vídeo de Lodoss War seja lembrado.

Yui Horie – Silky Love [ToraDora! OP 2]

ToraDora! é um anime relativamente simples que encanta pela boa execução feita pelo diretor Tatsuyuki Nagai [Ano Hana, To Aru Kagaku no Railgun] e por seu carisma [tanto a história quanto os personagens são interessantes o suficiente para criar verdadeiros fãs] – características estendidas principalmente a segunda abertura do anime, a qual reflete o segundo cour mais dramático que a série possui.

Simples, bem executada – apesar da série em geral ser apesar modesta em seu orçamento, o que reflete-se em uma animação apenas correta – e conta com a bela cereja no bolo que é a voz de Yui Horie, a segunda dubladora/cantora mais famosa no Japão, que é reconhecida por muitos aqui por conta desta música apenas razoável [bem, difícil elogiar algo com tanta distorção e autotune] mas que tem o mérito de ser um verdadeiro chiclete; e importante, como a música casa com as imagens.

Haruka Tomatsu – Motto Hade ni Ne! [Kannagi OP]

Apesar do ego inflado e dos fracos resultados para um diretor promissor que era, Yutaka Yamamoto [Yamakan] não tornou-se um nome conhecido de muitos à toa – e esta abertura de Kannagi, anime mais conhecido de sua direção [claro, ele foi o roteirista principal de Suzumiya Haruhi 2006], é prova cabal disso.

Além de fazer o dever de casa, que é marcar o clima da série e apresentar os personagens de forma efetiva, Yamakan faz mais: a abertura tem um muito agradável ritmo e estilo de clipe, inclusive com os cortes precisos e historinha básica necessária para a colagem de cenas fazer algum sentido para o espectador.

E Haruka Tomatsu, dubladora da protagonista, é a escolha perfeita para embalar a bonitinha música de abertura – sendo que em uma das sacadas espertas para contar a “história” desta, a própria personagem aparece cantando a música em um “show”. Um JPop agradável aos ouvidos.

E você achando que o novo anime de Saint Seiya tinha sido a notícia mais surpreendente do ano…

Chega, via Crunchyroll, a notícia de que no site oficial do estúdio MADHOUSE foi postada a nota que dá a imagem de capa deste artigo, na qual temos escrito no famoso engrish que:

E começa a produção para uma animação de Peanuts!

No fim de 2011, a Peanuts Worldwide LLC apontou a MADHOUSE como o estúdio escolhido para a produção de animação para a marca Peanuts [N.T.: no Brasil conhecido por Minduim ou Turma do Charlie Brown ou, como utilizado no título deste artigo para evocar a memória de alguns, o "desenho" ou "tira" do Snoopy]. Por enquanto, existem somente duas companhias com esse status [N.T.: o outro é o Bill Melendez Productions, que fez todos aqueles especiais de TV que já são verdadeiros clássicos]. Baseado neste acordo, o MADHOUSE finalizou uma animação em curta-metragem com os personagens de Peanuts; sendo que este curta será lançado em algum lugar de Tokyo. Se você está interessado, por favor procure mais na internet!

Claro que pode ser a pegadinha do ano do estagiário que arruma o site do estúdio – e muito estranho que somente quase um mês depois alguém fora do Japão tenha se dado conta da notícia.

Mesmo assim, um eventual engano parece bem improvável – e se provavelmente teremos ao menos mais um especial de ao menos dez minutos estrelando Charlie Brown e todos os demais membros dos Peanuts, uma das melhores turmas que já surgiram no mundo dos desenhos, quem sabe realmente uma nova série de animação voltada ao mercado norte-americano não esteja em produção neste exato momento?

Após o próprio MADHOUSE ter feito a apenas medíocre parceria em quatro animes com a Marvel e os esquecida temporada em OVAs de Supernatural, está definitivamente na hora deles mostrarem serviço.

Incrível como a cada episódio Guilty Crown consegue genuinamente surpreender seu espectador.

Por onde começar?

Bem, ao contrário do afirmado no último artigo sobre a série, Arisa não estava morta – afinal, não se mata uma personagem tão importante assim do dia para a noite. Inicialmente traumatizada pelo verdadeiro susto protagonizado pela versão demente de Inori, rapidamente converteu-se a causa deste episódio que era [finalmente] a deposição de Shu de seu papel como Rei.

Sim, porque apesar deste ter sido colocado neste cargo há somente dois episódios – lembrem-se, a votação na qual este foi aclamado de pé ocorreu somente no final do quatorze – o anime já deu voltas o suficiente para parecer que tudo ocorreu há muito tempo; se a primeira metade da obra era algo que poderia ser condensada em seis episódios, aqui estes dez/onze episódios poderiam ser facilmente esticados para 2-cour cheios sem qualquer prejuízo. Mas claro, não é insano o bastante.

E a última linha de defesa que este tinha contra sua iminente queda era Yahiro, que aqui já volta a ser um heroi para provar que Shu – ao isolar-se somente com sua boneca de cabelos rosados – realmente escolheu a solidão que irá provar magnanimamente no final deste episódio que, novamente, encerra-se em um cliffhanger alucinante; sim, a intensidade de Code Geass R2 é o pretendido aqui – e apesar de não termos um Lelouch como fio condutor da história, o fato de não termos uma primeira temporada relativamente séria ajuda no fator entretenimento.

Mas antes de chegarmos aos finalmentes, vale lembrar porque o título do episódio afinal é Exodus: este é o nome do plano arquitetado por Shu e seus comparsas para simplesmente destruir a Torre de Tóquio, base da qual vinha o sinal que controlava o avanço do muro [Linha Vermelha].

E apesar de todo um technobabble anterior a esta para fingir ser inteligente ou algo assim, no final a primeira parte do plano soa totalmente – e até um pouco intencionalmente – patética – inclusive com a falta de animação bastante evidente, o que para um anime que está vendendo até razoavelmente [dez mil cópias/disco é um ótimo número no geral, mas devemos lembrar que este projeto é razoavelmente ambicioso] acaba sendo um pecado.

Mas logo Shu ativa seu modo bunda má e tudo se resolve – desde a verdadeira operação de guerra montada com afinco pelos estudantes [à toa] até a animação, que ao menos torna-se aceitável [no geral, Guilty Crown prioriza o traço bonito ao movimento]; e aquele sorriso sádico aparece no rosto de muitos quando a Torre de Tóquio cai.

Se a Dieta [sede do Parlamento Japonês] foi destruída no início deste episódio, com a queda da Torre de Tóquio no fim deste temos que na prática o Japão está totalmente esfacelado. Mas claro, para Guilty Crown isto não é suficiente.

E ao melhor estilo [C] temos a ONU reunida para aprovar uma resolução que autoriza simplesmente a destruição do Japão. Sim, você leu certo – agora a porra ficou séria!, e provavelmente este será o grande perigo que Shu e seus amigos terão que evitar que aconteça até o final da série.

Mas como dito acima, Shu não tem mais seus amigos. Que, após este salvar o dia simplesmente executam um golpe de Estado. Aqueles malvados, afinal você tem que simpatizar com o protagonista. Tanto que fica aliviado quando Gai[-clone?] surge, porque sabe que estes irão sofrer na sua mão.

Porém, quem tem a mão cortada é Shu. E agora, sem o Poder dos Reis, o que será do banana mais banana de 201- digo, 2039? CONTINUA. NO. PRÓXIMO. EPISÓDIO.

Em Guilty Crown, até mesmo o episódio de build-up tem mais surpresas do que supõe a vã filosofia.

Após a impactante morte de Hare no episódio quinze [sim, este artigo estará repleto de SPOILER da série até aqui], Shu Ouma vira o tirano que apesar das boas intenções que serão mostradas mais a frente mais a frente neste próprio capítulo já torna-se capaz de muita coisa para atingir seu objetivo de retirar todos os presentes na escola Tennouzu, da qual virou o presidente do grêmio estudantil [e neste mundo bizarro do segundo cour aonde todos os adultos literalmente foram embora, quem manda ali de facto].

Mesmo que isto signifique tratar como lixo Argo, membro dos Undertaker [grupo do qual Shu fazia parte na primeira metade do anime] que chega próximo a escola em busca da ex-presidente do grêmio Arisa Kuhouin – dado que seu poderoso avô pediu [claro, em troca de favores] para retirá-la do Japão. Não só este é muito mal recebido por Shu e amigos [principalmente Yahiro, agora praticamente seu braço direito], como acaba sendo é preso.

Argo – e uma menina que aparece somente para morrer neste episódio, afinal Guilty Crown é uma série que sabe ser sutil – acaba sendo uma ferramenta utilizada aqui para mostrar o que importa: a confusão que existe na cabeça de Shu após a série de eventos ocorrida até aqui na série, particularmente nesta insana segunda metade.

E ao contrário do que o tom decidido de outrora parecia dizer, este está é mais confuso do que nunca ao ter que mostrar uma face tirânica a todos para somente no conforto da solidão no imenso jardim interno com Inori poder desabafar um pouco de seus sentimentos – afinal, esta é a única pessoa na qual verdadeiramente confia.

Sim, mesmo com a revelação no final do episódio de que Yahiro manipulou Shu com a história de que Hare morreu por conta do vírus quando na verdade o que aconteceu é o fato de que quando um Void é danificado além da conta, seu usuário morre – e assim isto [afinal, agora os estudantes estão absolutamente reféns deste tipo de poder que é a base inclusive do ranqueamento a que estão sujeitos] torna-se vital para o roteiro, temos que este realmente acredita é na boneca de cabelo rosa.

Esta que por sinal prova-se cada vez mais maluca – alguns poderiam até encaixá-la no famoso fetiche das yandere mas o que acontece realmente é que esta bonequinha parece completamente insana, tão insana quanto sua original [Mana, a irmã de Shu do qual ainda pouco sabemos]. E assim, todo o enredo que gira em torno da ex-presidente do grêmio simplesmente acaba com um tiro envolvido por um sorriso assustador desta.

Enquanto isso, chegamos ao clímax do embate entre Shu, Argo e Yahiro; afinal, há alguma esperança de retorno ao velho e bom Shu que apesar de tudo era admirado e não temido? Ao arrancar o Void de Argo para em seguida dar o mais insano dos sorrisos, ao que parece este também atingiu um ponto do qual não volta mais, nem tomando outro tapa na cara de Ayase. Porque esta, ao contrário de Tsugumi, é mais inocente e ainda tenta alguma coisa.

E assim, após os importantes anúncios de que está chegando uma imensa frota via Oceano Pacífico para invadir o Japão e de vermos o surgimento do que é provavelmente um clone do Gai [sim, o Gai!] mais este episódio de Guilty Crown que diverte de forma profundamente errada chega ao seu fim.

Sim, porque apesar daqui temos uma direção que preocupa-se em fazer o episódio passar rápido – e sim, os 23 minutos de duração por episódio da série parecem menos – o roteiro continua, neste imenso build-up rumo a um final épico [ou não]; e bem, veremos se os próximos episódios motivam a continuar esta série de artigos que espero ser menos resumo e mais explanação de ideias sobre o episódio. Até a próxima!

E finalmente [como antecipado aqui, era uma das poucas que faltavam] sai a lista dos vencedores do Tokyo Anime Fair de 2012. Sem mais delongas, vamos aos nomes:

Melhor Anime: Kokuriko-Zaka Kara

Melhor TV Anime: Mahou Shoujo Madoka Magica e TIGER&BUNNY

Melhor OVA: Mobile Suit Gundam Unicorn

Melhor Filme: Kokuriko-Zaka Kara

Melhor Filme Estrangeiro: Tangled [Enrolados]

Melhor Diretor: Akiyubi Shinbo por Mahou Shoujo Madoka Magica

Melhor Roteirista: Gen Urobuchi por Mahou Shojo Madoka Magica

Melhor Character Designer: Masakazu Katsura por TIGER&BUNNY

Melhor Direção de Arte: Takumi Tanji por Hoshi wo Ou Kodomo

Melhor Dublador [Seiyuu]: Hiroaki Hirata por TIGER&BUNNY [Kotetsu T. Kaburagi/Wild Tiger]

Melhor Música: Satoshi Takebe por Kokuriko-Zaka Kara

Enfim, mais uma premiação até óbvia, como não poderia deixar de ser. Mas vale notar aqui uma escolha, feita pelos críticos que escolheram os vencedores aqui, por obras feitas para um público mais geral. Assim, tanto os prêmios principais [incluso o mais importante deles] foram dados para o mais novo filme do Studio Ghibli, Kokuriko-Zaka Kara, como TIGER&BUNNY ficou literalmente lado-a-lado com Mahou Shoujo Madoka Magica em número de premiações.

E mesmo as escolhas um pouco menos óbvias como a melhor direção de arte ir para Hoshi wo Ou Kodomo soam justas e feitas por pessoas que sabem do que estão falando, mesmo que uma visão de fã faça com que muitos tendam a favorecer suas obras favoritas. Agora é esperar a lista dos 20 ou 25 animes feita pela Animage e Newtype para realmente fazermos um belo de um balanço do que ocorreu em 2011. Mas se preferir, este blogueiro já fez o dele aqui.

P.S.: Gen Urobuchi, roteirista de Mahou Shoujo Madoka Magica, criticou o evento que o premiou por estar intrinsecamente associado ao governo de Tokyo – aquele que aprovou a temida [mas que na prática teve resultado quase pífio] Lei 156, lembra dela?

Um belo episódio da praia que – primeira de duas partes – teve um profundo cheiro de nostalgia.

E como era de se esperar desta série, os eventos ocorridos no final do episódio anterior refletiram-se no início deste somente pela abordagem pensativa da parte dos protagonistas desta – como sempre, estamos aqui em um caso de uma tremenda construção de clima que deve cair somente em seu quarto final; assim, logo a irmã de Tetsurou prova-se mais uma vez um tremendo de um plot device e disponibiliza convites a todos irem ao paraíso – ao menos tratando-se de praias japonesas [para quem não pode pagar uma bela viagem ao Hawaii, claro] – Okinawa.

Sol! Praia! Biquínis! Como ilustrado fartamente aqui, é isto o que inicialmente temos neste episódio. Enquanto o enredo do filme segue a lentos passos sendo concretizado muito longe da cidade natal de [quase] todos eles, temos o privilégio de ver Ichika, Kanna e Mio de biquíni – bem, menos a última, em sua postura bem ambígua quanto a revelar seu corpo [no fetiche de nudismo que apesar de aparecer até discretamente na série já passou do ponto como piada]. E Lemon de maiô, para o seleto e exclusivo público que curte essas coisas.

Mas enquanto continuamos aqui absolutamente em banho-maria, temos a introdução de duas novas personagens – Kaori Kinoshita, amiga de infância de Kaito, e sua atirada colega Chiharu Arisawa – que conseguem efetivamente movimentar a trama de forma artificial e algo forçada. Claro que há alguma possibilidade de todos os sentimentos demonstrados serem, fufufu~, alguma brincadeira maldosa da Lemon, mas o provável é mesmo a amiga de infância continuar apaixonada pelo protagonista um tico banana desta história, mesmo quase dez anos depois.

Assim, o episódio até aqui mais equilibrado no balanceamento entre a comédia e o drama – sério, nenhuma das duas metades que compõe o anime tem alguns minutos de folga para brilhar sozinha – segue também trabalhando estas duas personagens novas [sendo que grande parte deste passa-se em conversas entre os personagens fora da praia, principalmente na primeira noite destes em Okinawa] até o clímax deste arco em duas partes.

No geral, bacana. A dinâmica [nos dois sentidos] entre os cinco [+um] amigos, que é o grande atrativo para qualquer um ver este anime, está cada vez melhor e mais afiada, sendo que somente com reações podemos perceber algumas intenções destes; e mesmo com a mão pesada do roteiro que necessitou incluir duas personagens bucha [e convenhamos que segunda amiga de infância é algo mais adequado para Infinite Stratos que aqui...], a história continua lentamente em seu curso. O medo é termos mais para frente uma conclusão abrupta demais à toa.

E o destaque deste episódio vai para a Mio: desde sua quase-direta a Kanna, a quem afirmou que “você não percebe o que está a um palmo do seu nariz” em relação a tudo, desde sua relação com Kaito até a ocorrida com Tetsurou, até a forte decisão de ir ao encontro de Tetsurou – que mesmo descansando ainda estava sofrendo assédio de Arisawa. Mio e Ichika, que encontraram os homens deste anime em situações tensas, dão a deixa para continuar este artigo semana que vem na resolução deste arco. Até a próxima.

Ano Natsu de Matteru #07: Praia, Parte 2.